Camille Schmitt, docteur en histoire de l’art de l’université Paris IV-Sorbonne (2002, directeur de thèse Flora Blanchon), diplômée de l’INALCO (maîtrise en langues et littératures chinoises, directeur de master Jacques Pimpaneau), chercheur indépendant et restauratrice d’œuvres d’art.

Sa thèse de doctorat porte sur la notion de conservation des peintures et calligraphies dans les textes de la dynastie Ming, et a été publiée sous le titre « Médecine de l’art » (2011, éd. P. Picquier). Elle continue de mener des recherches sur l’histoire de la restauration, des montures et des matériaux employés dans les œuvres d’art sur soie et papier réalisées en Chine, qui font l’objet d’articles publiés dans des revues spécialisées (voir liste ci-dessous).

En tant que restauratrice d’œuvres d’art, elle a été formée en 1999-2000 dans l’atelier privé de M. Cen Delin (Shum Tak-Lun, Taibei, puis Shanghai). En 2000-2001 elle a suivi l’enseignement de Xu Jianhua (徐建华, nommé héritier du patrimoine culturel immatériel de l’humanité par l’UNESCO en 2012) au sein de la Cité interdite à Beijing, dans le département des sciences (kejibu 科技部), maintenant appelé « hôpital des oeuvres » wenwu yiyuan 文物医院 »dans l’atelier de restauration du musée du Palais de Beijing.

Depuis 2002 elle dirige un atelier de restauration spécialisé dans les œuvres sur soie et papier d’Extrême-Orient. Elle restaure dans ce cadre des œuvres de particuliers et d’institutions publiques de toute l’Europe.

Publications :

Ouvrage

• La médecine de l’art, conservation-restauration traditionnelle des peintures chinoises montées en rouleaux, à partir de textes de la dynastie Ming, Arles, Philippe Picquier, juin 2011.

Edition

• Editeur du dossier sur la peinture chinoise. Second volet des actes du colloque organisé par Eric Lefebvre et tenu en 2009 à l’Institut national du Patrimoine (INP) à l’occasion de l’exposition des peintures restaurées du musée Cernuschi. Arts asiatiques, n°68, 2013, p. 61-90.

Traduction

• Yang Zehua, « Le papier xuan dans la restauration des peintures et calligraphies chinoises « , Arts asiatiques, n°68, 2013, p. 87-90.
• Cen Delin, « L’utilisation de la colle d’algue et du non-tissé dans la restauration des peintures chinoises « , Arts asiatiques, n°68, 2013, p. 75-80.

Articles

• Manuel d’identification et de conservation des œuvres chinoises sur papier des collections publiques françaises, PUR, Rennes, 2026 (publication en cours)
• Série d’une vingtaine d’articles sur les œuvres chinoises sur papier conservées dans les collections des musées français, C2RMF, 2025 (publication en cours)
• avec la collaboration de Wang Tse-Han, « Etui en rouleau pour pains à encre », in Le monde à portée de sens (un cabinet de curiosités chez Christophe-Paul de Robien au XVIIIe siècle), FAGE éditions, Musée des Beaux-arts de Rennes, Lyon, 2020, p. 300-301.
• « Questionnement de la tradition en restauration : survol des quinze dernières années en Chine et à Taiwan », publié en ligne par l’université Panthéon-Sorbonne, 10/03/2017 (http://hicsa.univ-paris1.fr/page.php?r=133&id=873&lang=fr)
• « La monture originale d’un rouleau horizontal intitulé Description illustrée des indigènes du pays de Dian», in De Couleurs et d’Encre : Oeuvres restaurées des musées d’art et d’histoire de La Rochelle : [Exposition. La Rochelle, Musée des Beaux-Arts. 2016], Montreuil : Editions Gourcuff Gradenido, 2015, p. 67-83.
• « The Presentation and Preservation of Chinese Scroll Paintings », in Zhang Hongxing (ed.), Masterpieces of Chinese Paintings, Londres, V&A publishing, 2013, p. 106-113.
• « Peinture chinoise : la restauration et la recherche en Europe et en Chine », Arts asiatiques, n°68, 2013, p. 61.
• « Restauration de l’Académie Hanlin, une peinture de Cour monumentale », Arts asiatiques, n°68, 2013, p. 81-86.

• « La Conservation et la Restauration des peintures chinoises en Chine et en Europe », compte-rendu du colloque [colloquee summary], in Support-tracé, ARSAG, 2010.
• « The Battle of Qurman : Restoration and Remounting of a Qing Imperial Wall Painting », in Orientations, Special issue, May 2010.
• « Approche d’une déontologie appliquée aux œuvres chinoises », Association des Restaurateurs de Sculpture de Tours (ARSET), décembre 2007, p. 11-22.
• « Montures impériales : les rouleaux horizontaux » et « Technique picturale à la Cour de Qianlong », dans Marie-Catherine Rey, Les Très Riches Heures de la Cour de Chine, Paris, éd. De la Réunion des Musées nationaux, avril 2006, p. 115 à 117.
• « Le papier Gaoli, chinois ou coréen ? », dans Autour du papier coréen, Centre de Recherche sur la Conservation des Documents graphiques (CRCDG). 3 novembre 2005, p. 121-127.
•  « Les Rouleaux chinois : l’œuvre et sa monture », Techne, n° 22, 2005, p. 26-31.
• « Une monture impériale de la dynastie Qing », publié dans la revue Arts Asiatiques, tome 58, 2003, p. 126 à 129.
• « La fabrication et le traitement des couleurs dans la peinture traditionnelle de paysage », publié dans la revue Histoire de l’art (CNRS – Université Paris I) en octobre 1997 (n^o 37/38), p. 47 à 56.

 

Professeur d’archéologie et d’histoire de l’art d’Asie du Sud et du Sud-Est

Ancien conservateur général du patrimoine

Sorbonne Université

UFR d’histoire de l’art et d’archéologie

3 rue Michelet

75006 Paris

Carrière professionnelle

Affectations

• 2024 – : Professeur d’archéologie et d’histoire de l’art d’Asie du Sud et du Sud-Est, UFR d’histoire de l’art et d’archéologie, Faculté des Lettres, Sorbonne Université
• 2019 – 2024 : Directeur de la conservation et des collections, Musée national des arts asiatiques Guimet
• 2013 – 2019 : Sous-directeur des collections, Direction générale des patrimoines, Service des musées de France.
• 2008 – 2013 : conservateur du patrimoine au sein de l’Agence France-Muséums, en charge des arts asiatiques, dans le cadre du projet du Louvre-Abou Dabi.
• 2002 – 2008 : conservateur du patrimoine au Musée national des arts asiatiques Guimet, en charge des textiles de la collection Riboud.

• 2000 – 2002 : conservateur du patrimoine au Musée Cernuschi, Musée des Arts de l’Asie de la Ville de Paris.
• 1999 – 2000 : conservateur stagiaire à l’École nationale du patrimoine.

Autres responsabilités administratives et scientifiques

• Chef de la mission française de coopération archéologique au Bangladesh (site de Mahasthan), depuis 2013.
• Membre du Centre de recherches sur l’Extrême-Orient de Paris Sorbonne (CREOPS, EA 2565)
• Membre associé au centre de recherche de l’École du Louvre.
• Membre du conseil des études et de la recherche de l’École du Louvre (2023 – ).
• Membre du conseil de perfectionnement du diplôme d’archiviste-paléographe (École nationale des chartes, 2023 – )
• Membre du conseil scientifique de l’École nationale des chartes (2018-2022).
• Membre de la commission consultative des recherches archéologiques à l’étranger du ministère de l’Europe et des Affaires étrangères (2014-2022).
• Membre de la Commission des publications de la Réunion des Musées Nationaux-Grand Palais.

 

• Ancien Membre du Groupe de recherches en études indiennes (EA 2120)
• Ancien directeur de recherche à l’Université Sorbonne Nouvelle-Paris III (École doctorale 514 « Mondes anglophones, germanophones, iraniens, indiens et études européennes – MAGIIE ») (2007-2024).

Formation

Cursus universitaire 

• 2007 : Habilitation à diriger les recherches, sur le thème De la commande au portrait : traités, épigraphie et images dans le monde indien, Université de la Sorbonne Nouvelle Paris 3.
• 2004 : Thèse de doctorat en langues, civilisations et sociétés orientales (études indiennes) : La production artistique au Tamil Nadu (VI^e-XVIII^e siècles). L’artiste et le commanditaire, sous la direction du Professeur Bruno Dagens, Université de la Sorbonne Nouvelle Paris 3 (mention Très Honorable, avec les félicitations à l’unanimité du jury).
• 2000 : Conservateur du patrimoine (major de la promotion Héloïse et Abélard de l’École nationale du patrimoine).
• 1998 : Diplôme d’études approfondies en langues, civilisations et sociétés orientales : Les sources écrites pour l’étude des bronzes d’Inde du sud, sous la direction du Professeur Bruno Dagens, Université de la Sorbonne Nouvelle Paris 3 (mention Très Bien).
• 1996 : Licence d’Histoire de l’Art à l’Université Paris Sorbonne (Paris 4).
• 1995-1998 : École nationale des chartes.
• Diplôme d’Archiviste-paléographe
• Thèse : Les bronzes chola vishnuïtes, sous la direction du Professeur Bruno Dagens (thèse signalée au Ministre).
• 1995 : Licence d’Histoire à l’Université Paris Sorbonne (Paris 4).
• 1992 : Baccalauréat A1.

Langues

Langues vivantes : français (langue maternelle), anglais (parlé, lu, écrit couramment), allemand (lu, parlé), italien (lu, parlé), notions de hindi et de bengali.

Langues mortes : sanskrit, latin, grec ancien.

 Distinctions honorifiques

Prix Emile Sénart de l’Académie des Inscriptions et Belles Lettres, 2024 (pour le livre Le Génie de l’art indien).

Chevalier de l’ordre des Arts et Lettres, 2015.

Prix Hirayama de l’Académie des Inscriptions et Belles Lettres, 2004.

Affiliation à des sociétés savantes

European Association for South Asian Archaeology and Art (membre du comité exécutif ; 2010-2012 : président ; 2016- : secrétaire général).

Association française d’études indiennes.

International Council of Museums (ICOM).

Société Asiatique.

Istituto Italiano per il Medio ed Estremo Oriente (correspondant).

Bibliographie 

1.1. Monographies et ouvrages

• Monographies

Le Génie de l’art indien, Paris : Les Belles Lettres, 2023. [371 p.] – Prix Emile Sénart de l’Académie des Inscriptions et Belles Lettres, 2024.

Portraiture in Early India. Between Transience and Eternity, Leiden-Boston: Brill (Handbuch der Orientalistik 25), 2011. [219 p.]

Commanditaires et artistes en Inde du sud. Des Pallava aux Nāyak, Paris : Presses de la Sorbonne Nouvelle, 2006. [416 p.]

Sous presse

Les arts de l’Inde, « Manuels de l’École du Louvre », Paris : Ecole du Louvre et Réunion des musées nationaux, 2025.

• Editions critiques

Dīptāgama, édition critique par M.-L. Barazer-Billoret, B. Dagens et V. Lefèvre, avec la collaboration de S. Sambhanda Sivacarya et la participation de C. Barois, vol. III, Pondichéry, 2009 (Collection Indologie n° 81.3). [701 p.]

Dīptāgama, édition critique par M.-L. Barazer-Billoret, B. Dagens et V. Lefèvre, avec la collaboration de S. Sambhanda Sivacarya et la participation de C. Barois, vol. II, Pondichéry, 2007 (Collection Indologie n° 81.2). [603 p.]

Dīptāgama, édition critique par M.-L. Barazer-Billoret, B. Dagens et V. Lefèvre, avec la collaboration de S. Sambhanda Sivacarya, vol. I, Pondichéry, 2004 (PIFI n° 81.1). [449 p.]

• Direction d’ouvrages scientifiques

South Asian Archaeology and Art 2012, Vol. 1: Man and Environment in Prehistoric and Protohistoric South Asia: New Perspectives; Vol. 2: South Asian Religions and Visual Forms in their Archaeological Context, edited by Vincent Lefèvre, Aurore Didier and Benjamin Mutin, Turnhout: Brepols, 2017 [374 et 402 p.].

Orientalismes. De l’archéologie au musée. Mélanges offerts à Jean-François Jarrige, sous la direction de Vincent Lefèvre, Turnhout : Brepols, 2012. [437 p.]

Dagens B., Traités, temples et images du monde indien. Etudes d’histoire et d’archéologie, articles rassemblés par M.-L. Barazer-Billoret et V. Lefèvre, Paris-Pondichéry : Presses de la Sorbonne Nouvelle / Institut français de Pondichéry, 2005. [330 p.]

South Asian Archaeology 2001, Proceedings of the Seventeenth International Conference of the European Association of South Asian Archaeologists, held in Collège de France, Paris 2-6 July 2001, ed. by Catherine Jarrige & Vincent Lefèvre, Paris: Editions Recherches sur les Civilisations, 2005. [xxiii + xvii + 713 p.]

 En préparation

Avec Jean-François Salles (†), Md. Shafiqul Alam, Coline Lefrancq et Naheed Sultana, Third Interim Report on the Mahasthan Excavations: Mazar Area [deux volumes] (deux contributions personnelles : “New Historical Data on Mahasthan” et “Stone Sculpture Found in the Excavations of the Mazar Area”).

 Catalogues d’exposition

Art of the Ganges Delta. Masterpieces from Bangladeshi Museums, edited by Vincent Lefèvre and Marie-François Boussac, Paris, Musée national des arts asiatiques Guimet, Réunion des Musées Nationaux, 2008. [310 p.]

Chefs-d’œuvre du delta du Gange. Collections des musées du Bangladesh, catalogue d’exposition sous la direction de Marie-Françoise Boussac et Vincent Lefèvre, Paris, Musée national des arts asiatiques Guimet, Réunion des Musées Nationaux, 2007. [310 p.]

Lumières de soie, soieries tissées d’or de la collection Riboud, catalogue de l’exposition présentée au musée national des Arts asiatiques Guimet du 27 octobre 2004 au 7 février 2005, sous la direction de Vincent Lefèvre, Paris, Réunion des Musées Nationaux, 2004. [208 p.]

Articles et chapitres d’ouvrages

• Articles dans des revues à comité de lecture

Avec Coline Lefrancq : « Vingt-huit ans de fouilles franco-bangladaises à Mahasthangarh », Arts Asiatiques, t. 75, 2020, p. 161-176.

« La jeune-fille au perroquet : un thème indien dans la peinture hollandaise », La Revue des Musées de France, n° 3, 2019, p. 67-81.

« La statuaire de Mahasthan », Monuments et mémoires de la Fondation Eugène Piot, Académie des Inscriptions et Belles-lettres, Paris, t. 96, 2017, p. 119-161.

 “Rāmapāla, Rāmāvatī and the Last Glory of Mahasthan”, Journal of Bengal Art, no. 22, 2017, p. 9-20.

« Le mystérieux Paraśurāma de Mahasthan », Bulletin d’Études Indiennes, n° 33, 2015, p. 313-336.

“Portraits in Śilpaśāstras and Related Texts”, Journal of Hindu Studies, vol. 8, no. 2, 2015, p. 170-179.

« Les parallèles entre les arts en Inde, ou l’art de l’ambiguïté », Histoire de l’Art, n° 69 (octobre 2011), p. 7-14.

« Un grand donateur des musées de France : Jacques Polain », La Revue des Musées de France, n° 5, décembre 2008, p. 91-100.

« A propos de quelques textiles jaïns du musée Guimet », La Revue des Musées de France, n° 3, juin 2006, p. 29-35.

« La collection Krishnâ Riboud au musée Guimet », Arts Asiatiques, t. 59, 2004, p. 154-157.

« La collection textile de Krishnâ Riboud entre au musée national des Arts asiatiques Guimet », La Revue des Musées de France, n° 4, octobre 2004, p. 13-16.

« Les collections archéologiques du Vietnam au musée Cernuschi », Arts Asiatiques, t. 58, 2003, p. 138-147.

• Articles dans des actes de colloque et chapitres d’ouvrage scientifique

“Bodhisattvas or deified portraits in Gandhāran art? Some thoughts”, in Transcending Boundaries. Premodern Cultural Transactions across Asia. Essays in honour of Osmund Bopearachchi, edited by Susmita Basu Majumdar, Delhi: Primus Books, 2024, p. 290-308.

« Une exposition qui tourne mal : Chefs-d’œuvre du delta du Gange, collections des musées du Bangladesh, au musée Guimet (2007) », in Histoire de prêts. Mémoires et enjeux des prêts dans les musées. Actes du colloque, Ecole du Louvre-IHMC-CNRS-ENS, 28-29 septembre 2017, publiés sous la direction de François-René Marin, Michela Pasini et Neville Rowley, Paris : Ecole du Louvre, 2024, p. 69-86.

Avec Rémy Boucharlat et Marie-Françoise Boussac : « Jean-François Salles (Perpignan, 31 août 1944 – Chapèze, 16 octobre 2023) », Syria. Archéologie, art et histoire, n° 100, 2023, p. 353-363.

« Sources textuelles et données matérielles ; quelques exemples de l’apport de la ‘méthode chartiste’ à l’indianisme », in Chartistes en l’Asie. Science historique et patrimoine au lointain (XIXe-XXIe siècle), études réunies par Jacques Berlioz, Cécile Capot et Olivier Poncet, Paris : École française d’Extrême-Orient et École nationale des chartes (Matériaux pour l’histoire), 2021, p. 185-201. »

“Manasutan aruiha oto pundoranagara: tohokuindo no kosatenn niatta paracho no koto” (“Mahasthan (ancient Puṇḍranagara): A Pāla Capital at a Crossroads in Northeastern India”, tr. by Ayaka Suzuki), in Asia bukkyo bijyutsu zenshu indo II posuto-guputacho paracho. Chuo koron bijyutsu shuppan, 2021, p. 415-440 (en japonais).

“Defining a ‘Gauḍa a School of Sculpture’?”, in Sources on the Gauḍa Period in Bengal: Essays in Archaeology, edited by Jean-François Salles, New Delhi: Primus Books, 2020, p. 154-192.

« La Karatoyā. Grandeur et décadence d’un fleuve du Bengale », in Fleuves d’Asie. Centres de civilisation, édités par Pierre-Sylvain Filliozat et Michel Zinc, Paris : Académie des Inscriptions et Belles-Lettres, 2020, p. 169-189.

Avec Coline Lefrancq: “2013-2015 excavations at Mahasthan. Preliminary results of the third phase of the France-Bangladesh cooperation”, in Religions, Society, Trade and Kingship: Archaeology and Art in South Asia and along the Silk Road, 5500 BCE-5th Century CE, Research Presented at the Twenty-third Conference of the European Association for South Asian Archaeology and Art, Cardiff, 2016. Volume 1: Archaeology, Seals and Inscriptions, Iconography and Artistic Expression, edited by Laxshmi Rose Greaves and Adam Hardy, New Delhi: Dev Publishers & Distributors, 2020, p. 105-116.

Avec Jean-François Salles: “The Religious Background of Mahasthan”, in South Asian Archaeology and Art 2014. Papers Presented at the Twenty-Second International Conference of the European Association for South Asian Archaeology and Art held at the Museum of Far Eastern Antiquities/National Museums of World Culture, Stockholm, Sweden, 30th of June to 4th of July 2014, edited by Eva Myrdal, New Delhi: Dev Publishers & Distributors, 2020, p. 191-204.

“Portrait or Image: Some Literary and Terminological Perspectives on Portraiture in Early India”, in Portraiture in South Asia since the Mughals. Art, Representation, History, ed. by Crispin Branfoot, London-New York: I.B. Tauris, 2018, p. 33-48.

« Pour un musée universel : le Louvre Abu Dhabi », in Autopsie du musée. Etudes de cas (1880-2010), sous la direction d’Agnès Callu, Paris : CNRS Editions, 2016, p. 203-211.

« Des ‘cités oubliées de l’Indus’ à Mahasthan. À la recherche des villes en ruine dans le monde indien », La ville et ses ruines : images, mémoires, métamorphoses, sous la direction de Monica Pretti et Salvatore Settis (Paris : Hazan et Musée du Louvre, 2015), p. 84-101.

“The Hindu Sculptures from Paharpur Reconsidered”, Changing Forms and Cultural Identity: Religious and Secular Iconographies, Vol. 1, Deborah Klimburg-Salter & Linda Lojda (eds.), Turnhout: Brepols (South Asian Archaeology and Art, 2014), p. 131-42.

Six notices dans l’ouvrage Louvre Abu Dhabi, Naissance d’une collection, sous la direction de Laurence des Cars (Paris-Abu Dhabi : Skira-Flammarion, Louvre Editions et Abu Dhabi Tourism and Cultural Authority, 2013) : « Le bouddhisme : création et diffusion » (pp. 60-67), « De Rome à l’Inde : l’influence grecque dans la sculpture antique » (en collaboration avec J.-F. Charnier, pp. 68-73), « Célébrer le divin » (pp. 84-87), « Peintures persanes et indiennes de la collection Pierre Jourdan-Barry » (en collaboration avec N. Ben Azzouna, pp. 144-149), « Miniatures indiennes de la collection James Ivory » (pp. 166-175), « Art japonais au xviii^e siècle : des peintures zen aux samouraïs » (pp. 178-187).

« Pāhārpur, une œuvre de circonstances ? », Orientalismes. De l’archéologie au musée. Mélanges offerts à Jean-François Jarrige, sous la direction de Vincent Lefèvre, Turnhout : Brepols, 2012, p. 237-253.

“Yaksa or Portrait? A Re-evaluation of the so-called ‘Yaksa Statues’ from the Maurya-Sunga Period”, South Asian Archaeology 2007, Proceedings of the Nineteenth International Conference of the European Association of South Asian Archaeologists, in Ravenna, Italy, July 2007, Volume II: Historic Periods, edited by P. Callieri & L. Colliva, Oxford: Archaeopress (BAR International Series 2133), 2010, p. 157-163.

« La jeune-fille au perroquet : un thème iconographique ambigu », Penser, dire, et représenter l’animal dans le monde indien, textes réunis par N. Balbir et G.-J. Pinault, Paris : Champion, 2009, p. 599-622.

Avec Anouk Bassier, Philippe Vergain & Frédérique Vincent : « Séminaire-atelier de formation des personnels en charge du patrimoine bangladais : un exemple réussi de partenariat international », Preprints of the 15th Triennal Conference of the International Council of Museums, Committee for Conservation (ICOM-CC), New Delhi, 22-26 September 2008, Vol. I, p. 66-70.

“The portraits of the Cōḻa king Rājarāja I”, Religion and Art: New Issues in Indian Iconography and Iconology, Volume 1 of the Proceedings of the Eighteenth International Conference of the European Association of South Asian Archaeologists, London 2005, edited by C. Bautze-Picron, London: The British Association for South Asian Studies, 2008, p. 179-189.

« Y a-t-il un patrimoine cham ? », Cahiers de Mariemont, n° 34, 2007, p. 18-36.

Avec Hélène Vassal : « Une collection de textiles au risque de l’exposition : tentations et compromis », Conservation-restauration des biens culturels, Cahier technique n° 15, Association des restaurateurs d’art et d’archéologie de formation universitaire, 2007, p. 9-12.

« A propos d’une célèbre toile peinte (kalamkari) de la collection Riboud au musée Guimet », Anamorphoses, Hommage à Jacques Dumarçay, textes réunis par H. Chambert-Loir et B. Dagens, Paris : Les Indes Savantes, 2006, p. 127-139.

« La collection vietnamienne du musée Cernuschi », in Crick M. dir., Vietnam, Collection vietnamienne du musée Cernuschi, Paris : Paris Musées / Editions Findakly, 2006, p. 7-10.

“Tukkacci, a Royal Cōḻa Temple at the Beginning of the 12^th Century”, South Asian Archaeology 2003, Proceedings of the Seventeenth International Conference of the European Association of South Asian Archaeologists (7-11 July 2003, Bonn), ed. by Ute Franke-Vogt & Hans-Joachim Weisshaar, Kommission für Archäologie Aussereuropäischer Kulturen und Eurasien-Abteilung, Forschungen zur Archäologie Aussereuropäischer Kultuen Band 1, Aachen, 2005, p. 523-531.

« Le Champa – Art et religion », in Noppe C. et Hubert J.-F., 2002, Arts du Vietnam. La fleur de pêcher et l’oiseau d’azur, Musée royal de Mariemont, p. 125-144.

 « L’enfant-modèle dans la sculpture d’Inde du sud, des Pallava à Vijayanagar », Les âges de la vie dans le monde indien, actes du colloque tenu à Lyon en juin 2000, édités par Christine Chojnacki, Lyon : Presses de l’Université de Lyon-III, 2001, p. 217-231.

« L’application de la norme pour la fabrication des bronzes d’Inde du sud : aspects techniques », La norme et son application dans le monde indien, actes du colloque organisé par l’équipe « Langues, textes, histoire et civilisation du monde indien », Paris, EFEO, 28-29 janvier 1999, édité par Marie-Luce Barrazer-Billoret et Jean Fezas, Paris : École Française d’Extrême Orient (Etudes Thématiques n° 11), 2000, p. 221-233.

« Les bronzes chola vishnouïtes », Positions des Thèses, École nationale des chartes, 1999, p. 269-276.

A paraitre

“Who is the author? Patron, artist and officiating priest, between theory and historical reality”, book on patronage in Indian art, edited by Rajat Sanyal, Gautam Sengupta and Sanyantani Paul.

“Water Resources and Management at Mahasthan”, in South Asian Archaeology 2018.

“Buddhist Architecture in Eastern India”, in Buddhist Buildings, Past and Present, edited by David Erfurd (Studies in Asian Art and Culture).

Avec Christophe Pottier, “In Memoriam. Bruno Dagens”, Bulletin de l’Ecole française d’Extrême-Orient, 2025.

En préparation

« Bouddha de l’Inde médiévale », dans Nouvelles Histoires de l’art, sous la direction d’Etienne Anheim, Charlotte Guichard et Laurence Bertrand-Dorléac, Paris : Seuil, 2025.

Chapitre sur le Bengale dans L’Inde, sous la direction d’Edith Parlier-Renault, Paris : Belin (collection « Mondes Anciens »).

• Articles de vulgarisation

 Cinq notices dans Birth of a Collection [à paraître].

“Japan at the Guimet museum: Perpetual Renewal”, Arts of Asia, Summer 2024, p. 46-56.

Avec Coline Lefrancq, « 30 ans de fouilles françaises à Mahasthangarh au Bangladesh », Archéologia, n° 626, 2023, p. 44-51.

« L’Inde du renoncement », in Yoga. Ascètes, yogis, soufis, Paris : Réunion des musées nationaux et Musée national des arts asiatiques-Guimet, 2022, p. 7-15.

« Préface », in Jardins d’Asie, Paris : Réunion des musées nationaux et Musée national des arts asiatiques-Guimet, 2021, p. 4.5.

« La culture du guerrier japonais », in L’Arc et le sabre, Imaginaire du guerrier japonais, Paris : Réunion des musées nationaux et Musée national des arts asiatiques-Guimet, 2021, p. 9-21.

« Préface », in L’Arc et le sabre, Imaginaire du guerrier japonais, Paris : Réunion des musées nationaux et Musée national des arts asiatiques-Guimet, 2021, p. 4-5.

« L’estampe de paysage : innovation et retour aux sources », in Fuji, pays de neige, Paris : Réunion des musées nationaux et Musée national des arts asiatiques-Guimet, 2020, p. 9-15.

Notice : « Louvre Abu Dhabi : Tête de Buddha », Chefs-d’œuvre? sous la direction de L. Le Bon, exposition présentée au Centre Pompidou-Metz du 12 mai 2010 au 29 août 2011, Metz, 2010, p. 387.

« Empire moghol : Le vêtement comme microcosme », 100 000 ans de beauté, sous la direction éditoriale d’E. Azoulay, vol. III : Age classique / Confrontations, sous la direction scientifique de G. Vigarello, Paris : Gallimard, 2009, p. 178-180.

« Empire moghol : Le Trésor du monde », 100 000 ans de beauté, sous la direction éditoriale d’E. Azoulay, vol. III : Age classique / Confrontations, sous la direction scientifique de G. Vigarello, Paris : Gallimard, 2009, p. 184-185

« Acquisitions », La Revue des Musées de France, n° 3, juin 2006, p. 103-104

« Trésors d’art du Vietnam. La sculpture du Champa », Universalia 2006, Paris, p. 379-380

« Lumières de soie. Homage to Krishna Riboud at the Musée Guimet », Orientations, vol. 35, n° 8, November/December 2004, p. 32-36.

« Acquisitions », La Revue des Musées de France, n° 1, février 2004, p. 109-110

« Glossaire des termes sanskrit », in Okada A., Sculptures indiennes du musée Guimet, Paris : RMN, 2000, p. 228-238.

1.2.4. Comptes-rendus d’ouvrages

Bopearachchi O., When West met East. Gandhāran Art Revisited, 2 vol., New Delhi: Manohar, 2020, in Topoi 24, fascicule 2, 2021, p. 859-861.

Ray H.P., ed., Buddhism and Gandhara. An Archaeology of Museum Collections, Londres-New York: Routledge, 2018, in Topoi 22, fascicule 2, 2018, p. 771-773.

Fogelin L., An Archaeological History of Indian Buddhism, Oxford-New York: Oxford University Press, 2015 et Bulbul A. (ed.), Buddhist Heritage of Bangladesh, Dhaka: Nymphea Publication, 2015, in Topoi 21, fascicule 2, 2017, p. 387-396.

Ferrier C., L’Inde des Gupta (IVe-VIe siècle), Paris, Les Belles Lettres, 2015, in Topoi 20.2, 2015, p. 537-542.

Sengupta G., Roy Chowdhury S., Chakraborty S., Eloquent Earth, Early Terracottas in the State Archaeological Museum, West Bengal, Kolkata, Directorate of Archaeology and Museum, Government of West Bengal, 2007, in Arts Asiatiques, t. 63, 2008, p. 170-171.

Hasan P., Sultans and Mosques, The Early Muslim Architecture of Bangladesh, Londres, I.B. Tauris & Co Ltd, 2007, in Arts Asiatiques, t. 63, 2008, p. 171-172.

Seckel D., Before and Beyond the Image, Aniconic Symbolism in Buddhist Art, English translation by Andreas Leisinger, edited by Helmut Bronker and John Rosenfield, Artibus Asie Publishers, Supplementum 45, 2004 – Museum Rietberg, in Arts Asiatiques, t. 63, 2008, p. 172-174.

Ghosh P., Temple to Love. Architecture and Devotion in Seventeenth-Century Bengal, Bloomington: Indiana University Press, 2005, in Arts Asiatiques t. 62, 2007, p.159-160.

Schlingloff D., Ajanta. Handbuch des Malerei. Handbook of the Paintings. 1. Erzählende Wandmalereien. Narrative Wall-paintings, 3 vol., Wiesbaden, Harrassowitz Verlag, 2000, in Bulletin d’Etudes Indiennes, n° 19, p. 427-432, 2001.

En préparation

Pons J., Arts du Gandhara. Richesse, diversité et répartition des ateliers de sculpteurs sur pierre, Association pour la protection de l’archéologie afghane, Archaeologia Afghana, Série scientifique III : Université de Strasbourg, 2024, in Topoi.

                         CURRICULUM VITAE

Isabelle Charrier-Le Mat

Membre associé

Discipline: Histoire de l’art      Pays: Japon

Activités professionnelles

Dans l’enseignement universitaire :

1987-1991 :

Enseignement du français langue étrangère à l’Université des langues étrangères de Kyoto

1991-1997 : Lecteur à l’Université de Kôbe dans les départements des Lettres et Études Inter culturelles

Enseignement du français langue étrangère pour les premières et deuxièmes années (Faculté Études inter culturelles)

Deux séminaires (Faculté des Lettres) 

– Cours de thème

– Lecture et explication d’un ouvrage en français

– Cours de dissertation

– Réflexions sur la critique littéraire

– Correction des mémoires écrits en français

1998-2003 : Lecteur invitée à L’université de Louvain la Neuve (Belgique) dans le département Orientalisme : Histoire de l’art de l’Extrême-Orient (Chine-Japon)

Lecteur invité à l’Institut d’art et de management du Japon Eurasiam (Paris) Histoire de l’art du Japon, Art contemporain japonais (2005-2007)

2005-2018 : Chargée de cours à l’Université Paris VIII dans le Département Arts plastiques

Approche comparative de la représentation

Enseignement histoire de l’art japonais

France-Japon : regards croisés

Parcours à travers les musées pour découvrir les collections japonaises

Traduction

Lee Ufan : L’art de la résonance

 Paris : Beaux-Arts de Paris éditions, Collection écrits d’artistes, 2013, 325p.

Lee Ufan artiste coréen résidant au Japon depuis 1956. Il a fait partie du mouvement d’avant-garde monoha dont il est considéré comme le théoricien. Il parage sa vie entre Tokyo, Paris et Seoul. Son musée construit avec Tadao Andô se trouve à Naoshima et sa fondation vient d’être inaugurée à Arles.

 

Manhattan suicide Addict (Suicidaire récidiviste à Manhattan)

Titre original Manhattan jisatsu misuijôshûhan

Il s’agit d’une sorte d’autobiographie écrite par l’artiste japonaise Kusama Yayoi(1929) à son retour des États-Unis en 1973. Elle y raconte certains éléments de sa vie dans l’underground de Greenwich Village de la fin des années 50 au début des années 70. Elle évoque aussi son drame quotidien car elle est atteinte de la maladie mentale de dépersonnalisation.  Enfin elle nous éclaire sur sa vision de l’art et sur la manière dont elle conçoit ses œuvres. Kusama est aussi un écrivain car elle est l’auteur de nombreux livres : romans ou recueils de poésie. Très reconnue depuis les années 60 dans le milieu de l’avant-garde aux Etats-Unis, une grande rétrospective de ses oeuvres a eu lieu au Moma à New York dans les années 80, en France en 2001 la Maison de la culture du Japon et le Centre Pompidou à Paris ont présenté une grande exposition. Enfin le Japon lui a consacré une grande exposition rétrospective en 2005. Un musée est consacré à son œuvre à Tokyo.  

Catalogue de l’Exposition au Musée Guimet Au fil du Dit du Gengi, Hommage à Maître Yamaguchi Itarô Novembre2009-janvier 2010

Activités de Recherche

Depuis 2018 : fait partie de l’équipe de recherche Langart dirigée par Véronique Alexandre Journeau et du Centre de recherche sur l’écriture et l’image

13 juin 2007 Participation au   Colloque international, Université Paris VIII, département arts plastiques Philippe Nys (dir.)  A propos des concepts de « Shakkei » (paysage emprunté) et de « Mitate »(Voir comme)

8-10 mars 2007 Participation au colloque Culture et Société japonaise organisé par le centre des Etudes japonaises d’Alsace (Colmar)

8-12 novembre 2005 Participation au Colloque du Centre de recherche international des Études japonaises de Kyoto : Arts et Artisanats au 21e siècle : Reconsidérer le futur dans une perspective internationale

22 février 2005 : Conférence, Université du Havre,  » Le mouvement de renouveau de la tradition dans le Japon des années 1880″

19 Novembre 2004 : Communication Centre de recherche Écriture et image (Université Paris-VII)

“France-Japon : regards croisés”

2003 Participation au Congrès annuel de L’Association for Asian Studies 27-30 mars New York

Depuis 2001- : Chercheur associé dans le groupe de recherche de l’Université Paris VII dirigé par Anne-Marie Christin, Écriture et image

2002 Participation au colloque international Le Japon et l’Europe, tissage inter culturel, Université catholique de Louvain la Neuve, 3-5 mai

2000-2004 :  Présidente de L’association ALUMNI de la Canon Foundation in Europe

1999 : Participation au colloque international Serge Elisseeff et la japonologie organisé par l’Institut russe de japonologie, Moscou, 2-3 juillet 1999.

1998 : Participation au colloque dirigé par J.J. Tschudin et C. Hamon La nation en marche, Études sur le Japon impérial de Meiji, Maison de la Culture du Japon, Université Paris VII 29-30 mai 1998

1997 :  Participation au Colloque dirigé par Augustin Berque, E.H.E.S.S Dépassement de la modernité, logique du lieu, Maison de la culture du Japon, 23-25 octobre 1997

1993-1996 :  Responsable d’un groupe de recherche en tant que chercheur associé à la maison franco-japonaise de Tôkyô : 10 questions à propos de l’art moderne et contemporain au Japon, Dix journées d’étude tenues à la maison franco-japonaise de Tôkyô entre 1994 et 1996.

1992-1993 :  Responsable du groupe de recherche pluridisciplinaire en japonologie et en sinologie, groupe Kô-in, Villa Kujôyama, Kyôto

1991-1992:  Boursière de la fondation Canon : thème de la recherche: L’art japonais d’après-guerre et ses rapports avec l’esthétique traditionnelle Sous la direction du professeur Shûji Takashina dans le département d’histoire de l’art de la Faculté des Lettres de l’Université de Tôkyô.

1989 : Obtention du Doctorat à l’université Paris IV Sorbonne avec la mention très honorable

Participation au colloque dirigé par Augustin Berque, La maîtrise de la ville, Fondation Royaumont, avril 1989

1986-87 :  Bourse de la Fondation du Japon Thème de la recherche L’évolution de l’art japonais de l’époque d’Edo à l’ère Meiji à l’université de Kyoto dans le département d’esthétique et d’histoire de l’art sous la direction du professeur Kenjirô Yoshioka

1982-1983 :  Boursière du Ministère des Affaires étrangères : Thème de la recherche : La peinture de l’époque de Meiji à l’Université de Kyoto dans le département d’esthétique et d’histoire de l’art sous la direction du professeur Kenjiro Yoshioka 

1979-1981 :  Boursière du ministère de l’éducation japonais thème de la recherche : l’histoire de l’art japonais depuis l’époque de Meiji dans le département d’esthétique et d’histoire de l’art de l’Université de Kyôto sous la direction du professeur Kenjirô Yoshioka

Formation

1989 :  Docteur en Histoire de l’art de l’Université de Paris IV Sorbonne mention très honorable

1985 : Diplôme de langue japonaise Université de Paris VII

1982 DEA Art et archéologie Université Paris IV

1980 : Diplôme de langue japonaise Université des langues étrangères d’Osaka

1978 :  Maîtrise spécialisée d’Art et d’archéologie de l’Université Paris IV

1976 :  Licence es lettres Art et archéologie de l’Université Paris IV

1974 :   Diplôme d’Ancienne Elève de l’Ecole du Louvre

1970 :   Première année de Lettres classiques Université de Bordeaux

1969 : Baccalauréat

Liste des publications

Évolution de la peinture japonaise du milieu du XVIIIe siècle à la fin de l’ère Meiji, Tradition et modernité, Université Paris IV Sorbonne, sous la direction de Bernard Dorival, 1988. 705p. 300 illustrations

Ouvrages

La peinture contemporaine japonaise de 1750 à nos jours, Besançon, La Manufacture, soutiens du CNL et de la Fondation du Japon, 1991,197 p.

Nihon kindai bijutsu : Bijutsu no yukue Bijutsushi no genzai [Japanese Modern Art : Destiny of Art, Actuality of Art History], codirigé avec Kitazawa Noriaki, Kinoshita Nagahirô, and Yamanashi Toshio. Tokyo, Heibonsha, 1999. 362 p.

Traductions:

 » Manhattan Suicide Addict » de Kusama Yayoi

 Dijon : Les Presses du réel, 2005. 255 p.

Lee Ufan : L’art de la résonance

  Paris : Beaux-Arts de Paris éditions, Collection écrits d’artistes, 2013, 325p.

Catalogue raisonné Exposition du Musée Guimet Au fil du Dit du Gengi Hommage à Maître Yamaguchi Itarô, Octobre2009-janvier 2010

Articles et Actes de colloques

Relations artistiques entre la Corée et le Japon aux XXe et XXIe siècles, Isabelle Charrier et Kim Hyeon-Suk(dir.) , Paris, L’Harmattan, 2022.

 

L’auteur dans son œuvre entre présence et effacement, Danièle Pistone et Véronique Alexandre Journeau (dir.) Paris, L’Harmattan, 2021, L’autoportrait en tant que signature, p.325-343.

 

L’instant et l’essence de l’inspiration A la croisée des arts et des cultures, Véronique Alexandre Journeau et KIM Hyeon-Suk(dir.), Paris, L’Harmattan, 2019, Les traditions secrètes et l’expression de l’ombre éphémère, p.163-178.

  

« Yagi Kazuo’s Pottery beyond Tradition and Modernity: the « Self-skin » Expression, in Traditional Japanese Arts and Crafts in the 21st Century, Reconsidering the future from an International Perspective 2005 International Symposium, Inaga Shigemi and Patricia Fister (dir.), Kyoto:  International Research Center for Japanese studies, 2007, pp 231-247

 

 » La calligraphie est-elle un art ?  » in Du visible au lisible Cécile Sakai et Anne Kerlan Stephens (dir.), Paris, Picquier, 2006, p.139-156

 

“La première rencontre avec l’art occidental : L’art Nanban “in Le Japon et l’Europe, Tissage interculturel, J.R.Klein et F.Thirion (dir.) Cortil-Wodon : E.M.E, 2004. p. 271-281.

 

« S. Elisseeff and Japanese Art » in International Symposium “S. Elisseeff and world japonology”, Moscou, Institut orientaliste russe, 2001, p 92-105.

 

“ L’autoportrait ou la représentation du sujet dans l’art japonais, dans “La logique du lieu, le dépassement de la modernité, Bruxelles : Ed. Ousia, 2000, p.31-52.

 

“La modernité japonaise : paradigme et innovation” in Nihon kindai bijutsu : Bijutsu no yukue Bijutsushi no genzai [Japanese Modern Art : Destiny of Art, Actuality of Art History], Kitazawa Noriaki, Kinoshita Nagahirô, Isabelle Charrier and Yamanashi Toshio (dir.), Tokyo, Heibonsha, 1999, p. 14-29.

 

“La première revue d’art au Japon : Gayûsekichin, Takahashi Yuichi, critique d’art “in Colloque de la Société des Études japonaises, 17-19 décembre 1998, Paris : Philippe Picquier, 1999, p.477-484

 

“La réaction nationaliste des années 1880 dans le milieu artistique : Ernest Fenollosa et Okakura Tenshin, Paris : Philippe Picquier, 1999.

 

“L’Évolution de la conception de l’art de l’époque de Meiji à nos jours” in Le Japon pluriel, actes du premier colloque de la Société des Études japonaises, Paris : Philippe Picquier, 1995, p. 245-256

 

“L’esthétique dans la ville japonaise d’aujourd’hui in La maîtrise de la ville, dirigé par A. Berque, Paris : E.H.E.S.S., 1994, p.125-139

 

Articles de revues ou d’ouvrages collectifs avec comité de lecture

 

Inoue Yûichi, une œuvre de forme, une œuvre de sens, une œuvre de son, Revue CEEI, n°2 La lettre et la ligne, en ligne, décembre 2021, p118-136 https://ecriture-et-image.fr/index.php/ecriture-image/article/view/41/135

 

L’énigme ou l’opacité de l’invisible, in Sigila, revue transdisciplinaire franco-portugaise sur le secret, n°31, printemps-été 2013, Paris, Gris-France, 2013, p.69-81.

 

 

 A propos du monde de l’esthétique des courtisanes in catalogue Au fil du Gengi, Hommage à Maître Yamaguchi, 4-11-2009 au 10-1-2010 exposition Musée Guimet, p. 43.

Biographie du maître Itaro Yamaguchi idem, p. 44-45

 

 » La calligraphie est-elle un art ?  » in Du visible au lisible Cécile Sakai et Anne Kerlan Stephens (dir.), Paris, Picquier, 2006, p.139-156

 

 

“La création contemporaine et la tradition esthétique” in Japon, peuple et civilisation, dirigé par J-F Sabouret, Paris : éditions de la différence, 2004 pp 206-209.

 

Débat sur l’avenir de l’art dans le Japon de l’époque Meiji, Tôkyô, revue Ebisu n°12,

janvier-mars 1996, p. 154-180 

 

“ Les arts plastiques modernes face à la tradition in Le Japon 1995, Tôkyô, Maison franco-japonaise, 1995, p. 377-383

 

“L’art des Uemura : la représentation des fleurs et des oiseaux dans la peinture traditionnelle moderne in Catalogue d’exposition Uemura Shôkô et Atsushi, Paris : Espace culturel Mitsukoshi, 21/12/93 au 12/2/94, 6p.

 

“Le voyage ou le pari de Sugai” Kôbe : Université de Kôbe, Faculté des lettres, mars 1993. p. 201-214

 

“Remise en question du japonisme (japonisumu o toinaosu) Kyôto : Miru, Musée d’art moderne de Kyôto, n°297, mars 1992, p. 4-6

 

“Aux débuts de la peinture moderne japonaise”, Paris : Gazette des Beaux-Arts, février 1992, p. 57-67

 

“La rencontre de la première école de peinture japonaise de style occidental avec l’art académique français” (Nihon no kindai no yôga to furansu no academisumu no deai) Kyôto : Miru, Musée national d’art moderne de Kyoto, 1989, p.4-6

 

“Pour une nouvelle histoire de l’art moderne japonais “ Paris : Revue des Arts Ecrit-Voir, juin 1988. p. 6-17

 

“Peinture et sculpture contemporaines” in L’État du Japon, Paris : La découverte, 1988.

 

“Traduction de l’esthétique traditionnelle dans la ville japonaise d’aujourd’hui” in Qualité de la ville, Urbanité nippone 1, Tôkyô : Maison franco-japonaise, 1987, p. 259-271

 

Articles de revues

Art contemporain japonais : Conversation avec Nomura Hitoshi, p 22-23

Chronologie de l’art japonais d’après-guerre p. 26-29

, Principes fondateurs, p. 30-31

 Revue franco-japonaise, Les Voix n° 57, Kyôto, décembre 1991.

 

“ L’école de Paris grandeur et décadence (Ecolu do paris sono eikô to suitai ) Tôkyô : Geijutsuron, Novembre 1987, p. 18-20

 

Rapport de recherche

“Les échanges artistiques entre la France et le Japon pendant les années 50, Rapport présenté au Centre G. Pompidou dans le cadre de la préparation de l’exposition le Japon des avant-gardes (1986-87) 36 p.

 

Maîtrise et DEA

Les thèmes traditionnels dans l’art contemporain japonais, D.E.A. sous la direction de B. Dorival, Institut d’Art et d’Archéologie (Université Paris IV) 1982

“ La peinture de Key Satô, maîtrise d’art et d’archéologie, Université de Paris IV, 1978. 120p.

 

Conférences

“Foundation of Japanese Modern Art History: Neologisms in Modern Art Criticism,” Japanese International Research Center for Japanese Studies, Kyoto, Mars 1996. (in japanese)

 

Reflections about the Constitution of Modern Japanese Art History.” (In Japanese). Canon Foundation seminar, Kyoto, Novembre 1995.

 

Panorama de la peinture moderne et contemporaine, continuité, discontinuité,

Institut français du Kansai, Institut franco-japonais de Tôkyô, Espace-Japon Paris, 1992

 

“Pour une nouvelle approche de l’art moderne japonais,”Kyôto: Japan Foundation,   Mai 1988.

 

“A propos de Sugai Kumi,” Institut franco-japonais du Kansai, Kyoto, 1984.

 

Emission audiovisuelle

 “ A propos des avant-gardes japonaises, le mouvement Gutai, Émission France-Culture Staccato, Paris, 11/5/1999

 

Expression and évolution de la peinture et de la sculpture japonaises après la guerre” Émission Osaka Yomiuri television, 12/3/1988.

 

Enseignement

 

          Dans notre cours de théorie et d’esthétique intitulé Approche comparative de la notion de représentation, nous nous penchons sur la comparaison Occident et Extrême-Orient à partir des traités de peinture fondateurs de l’une et l’autre civilisation. Nous opposons les traités sur la peinture d’Alberti, de Léonard de Vinci, etc. aux écrits Chinois et japonais.   D’autre part nous montrons l’influence réciproque entre l’Orient et l’Occident depuis la fin du XIXe siècle, notamment depuis l’épisode remarquable du japonisme. Temps des regards croisés, le Japon et la Chine ont de leur côté beaucoup puisé dans l’art occidental.

 

           Au travers des textes et des œuvres, nous questionnons la notion de représentation en nous référant à certains auteurs tels que Michel Foucault, Jacques Derrida en passant par Walter Benjamin, Kuki Shûzo et Nishida Kitarô. 

 

          Notre recherche a été depuis le départ fondée sur le refus de l’ethnocentrisme. Pourquoi calquer les concepts de l’esthétique occidentale sur les œuvres des autres pays ? D’autre part interpréter au regard d’autres conceptions artistiques nous permet au contraire de mieux appréhender les caractéristiques esthétiques occidentales.

 

          Dans l’histoire de l’art chinois, nous nous focalisons sur la représentation du paysage notamment dans les époques Song et Yuan. Nous mettons en valeur la conception du paysage chez les peintres lettrés en montrant le lien très étroit qui existe avec la poésie et la calligraphie. Pour ce faire nous nous référons aux traités de peinture traduits en français et en anglais. Nous comparons avec les représentations picturales japonaises certes influencées au cours des siècles par la Chine mais qui possèdent des caractéristiques proprement japonaises que l’on ne retrouve pas en Chine.

 

          Pour l’époque contemporaine, nous étudions les mouvements de rencontre et les influences réciproques entre l’art extrême-oriental et l’art occidental. Le japonisme est à cet égard très riche car la découverte des estampes japonaises est à l’origine de la révolution de l’art occidental dans le dernier quart du XIXe siècle. Parallèlement le Japon et la Chine ont été influencés par l’art occidental et ont commencé à mettre en pratique la perspective linéaire qui leur était inconnue. Dans les années cinquante, la rencontre calligraphie-art abstrait est tout à fait passionnante : les peintres occidentaux ont regardé du côté de la calligraphie alors que les calligraphes japonais se sont tournés vers une calligraphie « abstraite. Nous mettons en lumière ces regards croisés qui sont une partie très importante de l’art contemporain.

 

 

Historique de notre recherche

 

          Dans notre thèse intitulée L’évolution de l’art japonais depuis le milieu du XVIIIe siècle jusqu’à la fin de l’ère Meiji, nous sommes partie du dualisme existant entre l’école de peinture de style occidental yôga apparu dès le XVIIIe siècle et la nouvelle école de peinture de style traditionnel nihonga mise en place par Okakura Tenshin en 1890. Nous avons mis en évidence que ce dualisme se révèle superficiel. En effet, dans les deux cas une certaine permanence de la tradition picturale et l’influence de l’art occidental sont les deux éléments juxtaposés qui interviennent systématiquement dans la composition interne de l’œuvre, quel qu’en soit le style.

          A la suite de la thèse, nous avons retrouvé ce phénomène de juxtaposition dans les œuvres d’art plastiques actuelles et même dans l’architecture et le paysage urbain des villes japonaises de nos jours. Nous nous sommes rendu compte que les constructions architecturales et les créations artistiques ne sont pas fondées sur la pérennité comme on le sous-entend en Occident mais au contraire sur l’éphémère. Ainsi la conception du temps propre au bouddhisme et celle de l’impermanence et du renouvellement perpétuel s’avère nécessaire pour comprendre l’expression de certains artistes et des architectes contemporains. Ces travaux ont été publiés dans les Actes des deux colloques « Qualité de la ville » et « Maîtrise de la ville » dirigés par Augustin Berque (E.H.E.S.S) (cf.  Bibliographie)

          De 1993 à 1996, sous l’égide de la maison franco-japonaise, en tant que chercheur associé, nous avons constitué un groupe de recherche spécialistes de l’art moderne et contemporain, universitaires ou conservateurs de musée, japonais, français et américains. Revenir sur le problème de la modernisation au Japon, analyser le concept de bijutsu (traduction du mot art), retrouver la signification de l’avant-garde, montrer les fluctuations dans la hiérarchie entre beaux-arts et arts appliqués sont les principales questions abordées dans les journées d’études. Les actes des journées d’étude ont été publiés aux Editions Heibonsha en 1999. Sont compris dans les actes les résumés des débats qui ont eu lieu à la suite de chaque journée d’étude. (Cf . Bibliographie)

 

Développement de notre recherche

 

          Toujours dans la perspective d’analyse du processus de modernisation, à partir de l’étude de l’autoportrait depuis l’époque ancienne jusqu’à nos jours, nous avons mis en évidence l’évolution de la notion de sujet au Japon dans le cadre du colloque dépassement de la modernité sur Nishida Kitarô. (cf. Bibliographie)

Nous avons aussi analysé la notion de tradition telle qu’elle a été définie par Okakura Tenshin dans les années 1880 dans le cadre du colloque organisée par Paris VII en 1998 (voir bibliographie). Nous avons analysé l’ouvrage de Serge Elisseeff, le père de la japonologie moderne, sur l’art contemporain japonais publié en 1923 au cours du colloque organisé à Moscou sur ce professeur de l’université de Harvard par l’Institut orientaliste russe. (cf. Bibliographie)

  A l’université de Louvain la Neuve dans le département orientaliste nous avons axé notre recherche sur la première influence de l’art occidental au moment de l’arrivée des Portugais au Japon. (cf. Bibliographie)

 

 

Recherche dans le cadre du groupe de recherche Écriture et Image fondé par Anne-Marie Christin et dirigé par Annie Renonciat (Université Paris VII)

 

 Dans le cadre des Journées d’étude organisées par Cécile Sakai (Professeur Département des Études et civilisation japonaise de Paris VII) regroupant sinologues et japonologues, le thème que nous avons choisi est le suivant : Calligraphie et modernité le débat sur la calligraphie dans les années 1880.

Nous sommes partie du débat sur la calligraphie entre un peintre de style occidental et le directeur de l’Ecole des beaux-arts de Tôkyô. L’un, partisan de la modernité et l’autre, auteur d’ouvrages sur l’esthétique japonaise, développent une polémique publiée dans une revue sur le rôle de la calligraphie à l’époque moderne. Doit-on continuer à la considérer comme un art ? Le partisan de la tradition a eu gain de cause et le gouvernement l’a remis dans le programme scolaire en 1885. Cependant dans les faits la calligraphie va rester à part dans le monde des écoles anciennes dirigées par un maître. Ce n’est que dans les années trente qu’un mouvement de calligraphie contemporaine voit le jour. Parallèlement la calligraphie acquiert une position dans l’art contemporain grâce à son influence sur la peinture abstraite. Actuellement au Japon, la calligraphie est loin d’avoir disparu, au contraire elle est devenue très populaire. Elle se distingue par les nombreuses spécialités qu’elle dispense à savoir calligraphie chinoise, calligraphie en kana, calligraphie d’avant-garde, calligraphie bouddhique, calligraphie culturelle, calligraphie scolaire. (cf. Bibliographie)

 

Recherche récente

 

Participation au colloque du Centre de recherche international des études japonaises (Kokusai nihon bunka kenkyû center、Kyôto) 

Arts et Artisanats au 21e siècle

Reconsidérer le futur dans une perspective internationale 8-12 novembre 2005

Communication sur un potier avant-gardiste de Kyôto, Yagi Kazuo (1918-1979)

Participation au colloque organisé à Colmar par le Centre Européen d’Etudes japonaises d’Alsace (Kienthzeim) Société et culture du japon moderne

Commentaire de la communication du Pr Inaga Shigemi « Synthèse sur les polémiques soulevées par les manuels d’histoire 2001-2002 »

Participation au colloque sur Mitate et shakkei: communication sur la fonction de Mitate (voir comme) en peinture  à la fois à l’époque d’Edo (1603-1868) et à l’époque contemporaine.

 

Les directions actuelles de notre recherche

 

 

La conception des œuvres d’art dans le cadre de la création contemporaine

 

Un exemple : le Japon

 

 

          Nous commentons rapidement le titre que nous avons choisi par un rappel important de l’histoire de l’art japonais. Un avant la participation à l’exposition universelle de Vienne en 1872, un fonctionnaire du ministère des Affaires étrangères, Ôkuma Shigenobu (1838-1922), homme politique important de l’époque Meiji introduit le terme « Art », en japonais Bijutsu, néologisme pour traduire la notion allemande de kunstgewerke. Comme il s’agissait d’un mot nouveau, il a ajouté entre parenthèse la signification du terme. Bien sûr, il ne fait pas de doute que les formes d’expression qualifiées aujourd’hui d’artistiques remontent à la préhistoire mais il n’existait pas de terme regroupant ces différentes activités. Jusqu’à l’époque Meiji, Gei que l’on traduit par art faute de terme équivalent dans les langues occidentales ou dô (la voie) sont des expressions qui couvrent des disciplines spécifiques (la divination, le tir à l’arc, la calligraphie, la cérémonie du thé). Donc sous le terme bijutsu qui va finalement l’emporter se juxtaposent les sens traditionnels (celui des arts traditionnels) et modernes (celui des beaux-arts comme en Occident)

          L’art moderne japonais prend sa source dans l’ouverture de ce pays au monde extérieur après deux cent cinquante années de fermeture sur lui-même. La révolution meiji, comme on a l’habitude de qualifier ce changement est précédé par l’ultimatum de Perry en 1854 arrivé au large de Yokohama : le gouvernement encore sous la direction du shôgun doit se plier, c’est-à- dire accepter l’arrivée des étrangers sinon c’est l’envahissement. Choisissant avec réticence la première solution, le Japon entre dans une période de trouble qui met fin au système féodal de la dynastie des Tokugawa. C’est l’empereur qui va retrouver le pouvoir et mettre en place la structure d’un Etat moderne autoritaire, prenant comme modèle la Prusse de la fin du XIXe siècle.

          L’évolution de l’art, bien que forcément liée à l’entrée du pays dans le monde international de son époque, se manifeste sous la forme d’un dualisme apparent, style traditionnel versus style occidental, qui perdure aujourd’hui. L’analyse que nous portons se situe à la fois sur la succession des différentes écoles et courant d’artistes qui marquent la période moderne et sur l’esthétique des œuvres elle-même.

 

          C’est ainsi que nous interrogeons les paramètres suivants :

 

          1 Contexte japonais

 

          1.1 Les œuvres japonaises des époques antérieures

 

          Le changement intervenu dans la création artistique ne se manifeste pas brutalement mais est étalé sur une longue période. En effet la formation de l’art moderne a duré une trentaine d’années pendant lesquelles le Japon a créé de nouvelles institutions calquées sur le modèle occidental tout en conservant les spécificités japonaises. Les transformations évidentes apparaissent tout d’abord dans la technique et le médium utilisés par les artistes : la perspective linéaire, le clair obscur pour donner l’illusion de la troisième dimension, les couleurs de la peinture à l’huile. Cependant une analyse approfondie montre souvent que les thèmes ou le style de la représentation sont en fait très marqués par la tradition. D’autre part malgré la référence obligée des œuvres de style traditionnel aux époques antérieures, elles s’en écartent clairement en se référant à l’art occidental.

          La comparaison entre les œuvres modernes et anciennes permet de permettre en évidence les véritables caractéristiques de l’art japonais sans passer par les poncifs habituels. D’autre part il apparaît des catégories dans lesquelles sont classées les œuvres qui n’existent pas dans la culture occidentale. Les œuvres du passé et de la modernité incarnent des esthétiques qui peuvent être similaires sous des formes apparemment complètement divergentes. Souvent c’est à travers un thème commun récurrent que s’exprime toute une philosophie, une conception du monde qui perdure à travers les âges. A l’opposé certains aspects sont nés à l’époque moderne et marque bien une rupture avec le passé.

                  

          1.2 Les écrits sur l’art du Japon et de la Chine ancienne

          Pendant toute l’histoire du Japon la culture chinoise dans tous les domaines joue un rôle prédominant. Outre le fait que le Japon a emprunté l’écriture chinoise, il va s’appuyer sur les connaissances et la pensée de cette civilisation plus ancienne. On pourrait comparer la nature de la relation entre les deux pays avec celle qu’entretenait l’Europe du Moyen Age et de la renaissance avec le monde antique gréco-romain ou plus tard celle de l’Europe et du nouveau monde.

          Dans le domaine artistique, le Japon développe des écoles propres tout en s’inspirant des thèmes et de la conception de la beauté en Chine. Ainsi les écrits sur l’art exercent une influence profonde sur l’esthétique nippone et les Japonais les reprennent tels quels, les interprètent ou parfois s’en détachent pour affirmer leur différence.

          Au cours des âges se sont développées diverses conceptions de la beauté qui ont engendré de termes bien spécifiques dont les définitions recourent souvent à un langage complexe qui reflète le monde de la sensibilité. Il existe donc au moment de l’ouverture du Japon tout un vocabulaire correspondant à des classifications bien précises pour définir les thèmes. La hiérarchie entre les arts diverge beaucoup de la distinction entre beaux-arts et arts appliqués du XIXe siècle, la poterie considérée comme un artisanat occupe une place de premier rang.

          1.3 Les événements historiques et la situation de la société des différentes époques concernées

                  

          Il existe plusieurs termes en japonais pour traduire le mot moderne. En histoire, on distingue Kinsei c’est-à-dire pré-moderne, moment de l’établissement du shogunat et de la fermeture du Japon au début du XVIIe siècle. L’époque moderne proprement dite (kindai) débute en 1868 au moment de l’ouverture du Japon et du nouveau pouvoir impérial après la chute du shogunat. Enfin il y a la période moderne (gendai) qui débute après la guerre.

          L’histoire japonaise a évidemment sa propre spécificité et il est nécessaire d’en tenir compte pour comprendre les oeuvres même si celles-ci n’y font pas allusion directement. L’exemple le plus frappant est la peinture de reportage au moment de la guerre russo-japonaise ou l’art de propagande pendant la deuxième guerre mondiale. Il est important de mettre en évidence la situation particulière du Japon dans le cadre de l’analyse.

          Le back ground de l’artiste nous éclaire sur les points spécifiques de l’auteur ainsi que le contexte social. En effet si le facteur personnel est important, le rôle social de l’artiste est sans aucun doute encore plus important du fait de sa participation aux divers groupes ou écoles. Si ce phénomène existe en Occident, il n’a pas son équivalent. En effet l’artiste se considère comme un membre d’un groupe, d’un corps social.

         

          2 Contexte de l’art contemporain

         

          Pour analyser l’évolution de l’esthétique de l’art contemporain japonais, nous partirons de plusieurs grandes expositions notamment, celle organisée par Alexandra Munroe de 1994 qui a tourné aux Etats-Unis. L’inauguration du musée d’art contemporain à Tôkyô en 1995 est une date importante puisque pour la première fois une vraie collection d’art contemporain japonais a été présentée dans son ensemble couvrant toute l’après-guerre.

         

          2.1 Les mouvements artistiques au Japon depuis 1945

          Nous pouvons citer quelques mouvements comme le mouvement gutai (1955-72), le mouvement hi-red center des années 60, le théâtre butô et l’art obsessionnel, Tôkyô Fluxus, le mouvement mono-ha, le cinéma expérimental et l’art vidéo, les années 90 avec le groupe DUM type etc…

 

          2.2 Comparaison avec l’évolution de l’art contemporain de l’Asie du nord

 

          Nous parlerons évidemment des relations entre la Corée et le Japon car beaucoup d’artistes coréens sont venus étudier au Japon. L’artiste Le Ufan a joué un rôle très important. D’autre part avec la transformation fantastique de la Chine dès le milieu des années 90, l’art contemporain s’y est furieusement développé. Depuis le début du XXe siècle, de nombreux artistes chinois sont venus au Japon. Enfin en Chine et en Corée on trouve la même classification entre peinture traditionnelle et peinture de style occidental. 

 

          2.3 Comparaison avec les mouvements de l’art occidental

 

          Depuis les années 50, le Japon participe à toutes les biennales internationales et est intimement lié à l’évolution de l’art international. Nous parlerons des artistes connus en occident et de ceux qui ont influencé le plus les Japonais.

 

          2.4 L’évolution de l’art actuel

 

          Etudier l’art contemporain sous l’angle du Japon nous permettra de donner un éclairage plus complet sur la situation actuelle et de voir ce qu’a apporté cette culture.

          Ainsi nous sommes obligée de trouver d’autres critères pour analyser les oeuvres. Il semble que l’on soit arrivé à une période charnière et le Japon, fait partie de ces pays où se retrouvent avec acuité toutes les questions fondamentales des sociétés actuelles. Il est donc important d’interroger et d’analyser les oeuvres des créateurs contemporains de ce pays.

 

 

                                       Projet publications 2022

 

Préparation avec Marie Laureillard (Université de Lyon 2) de la publication du colloque Usages et valeurs du noir en Asie de l’est 7-9 juin 2002

Presses de l’institut de l’école des langues orientales

Préparation de la publication du séminaire usages et valeurs du noir 2021-2022 (CEEI) aux éditions ENS de Lyon (2023)

         

 

 

         

 

 

 

         

 

         

 

         

           

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Historienne de l’art, iconographe
contact : oliviervirginie [a] yahoo.fr

DISCIPLINE : Histoire de l’art
PAYS : Inde
PÉRIODE : 1^er– 13^e siècles
LANGUES : anglais, sanskrit
Mots clés : Inde, Iconographie, Sculpture, Shivaïsme, Brahma, Tamil Nadu, Pallava, Cola

PARCOURS UNIVERSITAIRE

Doctorat d’histoire de l’art, université de Paris IV Sorbonne (2018)
Titre : La représentation de l’ordre socio-cosmique : interprétation du rôle de Brahmā dans la sculpture du Tamil Nadu et du Deccan entre le 6^e et le 9^e siècle » (dir. Edith Parlier-Renault)

Licence professionnelle Ressources documentaires et bases de données, spécialité documentation audiovisuelle, INTD-INA, Paris (2008)
Mémoire : Statut et langage de l’image scientifique

Licence de langues, littératures et civilisations étrangères, spécialisation langues indiennes, université de Paris III Sorbonne (2002)

DEA d’histoire de l’art, université de Paris IV Sorbonne (2001)
Titre : Étude comparée de l’iconographie de Sūrya en Uttar-Pradesh et en Orissa (1^er – 13^e s.)

Maitrise d’histoire de l’art, université de Paris IV Sorbonne (2000)
Titre : L’image d’Agni dans la littérature et la sculpture de l’Inde ancienne (1^er – 13^e s.)

Diplôme de l’École du Louvre, spécialité art et archéologie de l’Inde et des pays indianisés de l’Asie du sud est, École du Louvre, Paris (1998)

ENSEIGNEMENT

Chargée de cours, université de Paris IV Sorbonne (2019-)

Initiation à l’art de l’Inde (Cours de Licence, 2h hebdomadaire)

PUBLICATIONS : ARTICLES

Revue Mythologie : Les Essentiels. La mythologie indienne, n° 2, août-septembre-octobre 2019 :

   – « Les Brâhmanas, les Âranyakas et les Upanishads » ; « Les Purânas, des encyclopédies populaires du savoir », p. 26-27.

   – « Une œuvre : Brahmâ, temple Hucchappayya Gudi à Aihole » ; « Les origines de Brahmâ, un dieu sans culte » ; « Brahmâ dans le Bouddhisme des origines » ; « Le mythe de la décapitation de Brahmâ par Śiva » ; « Le hamsa, l’oie sauvage : la monture de Brahmâ » ; « les multiples visages de Brahmâ » ; « Une œuvre : Sarasvatî, parèdre de Brahmâ », p. 70-79.

   – « Les huit dikpâlas : gardiens des points cardinaux et intermédiaires », p. 128-129.

   – « Agni, le dieu du feu : le gardien du sud-est » ; « Yama, le roi des morts : le gardien du sud », p. 130-131.

« Les « Brahmā-Śiva » de la région de Tanjore : un syncrétisme singulier aux origines inexpliquées », Arts Asiatiques, 75 (2020), Paris, 2021, p. 5-26.

« The Relationships between Brahmā and Śiva in the Pallava and Coḷa iconography: the Iconographic Program of the Kailāsanātha of Kāñcīpuram and the Case of the “Brahmā-Śiva”. /Brahmā and Śiva in Pallava and Coḷa iconography », In Murugaiyan, Appasamy & Parlier-Renault, Édith (Eds) Whispering of Inscriptions: South Indian Epigraphy and Art History: Papers from an International Symposium in memory of Professor Noboru Karashima (Paris, 12–13 October 2017), Oxford: Indica et Buddhica (2 vols), p. 181-208. https://indica-et-buddhica.org/publications/murugaiyan-appasamy-parlier-renault-edith/ieb-karashima-vol02-202110171432.zip

« L’idéologie pallava dans l’iconographie des sites royaux aux VII^e et VIII^e siècles : Brahmā et Skanda », in Jean-Michel Mouton et Michel Zink éd, L’idéologie royale dans les civilisations de l’Asie, Actes du colloque organisé par l’Académie des Inscriptions et Belles-Lettres et la Société Asiatique à l’Institut national d’Histoire de l’Art (INHA) et à l’Académie des Inscriptions et Belles-Lettres, les 6 et 7 décembre 2019, Académie des Inscriptions et Belles-Lettres, Paris, 2021, p. 297-328.

A VENIR

Janvier 2023. Voyage dans le Deccan (Inde), organisé par l’AFAO : conduite culturelle et accompagnement :

« Découverte du Deccan (Maharashtra, nord du Karnataka et de l’Andhra-Pradesh) »: https://afao-asso.fr/fr/voyages-et-escapades/asie-du-sud-est/172-decouverte-du-deccan-maharashtra-nord-du-karnataka-et-de-l-andhra-pradesh

CONFÉRENCES

« Des rois et des brahmanes : l’idéologie royale Pallava dans l’iconographie des sites royaux du 7^e – 8^e s. ». L’idéologie royale dans les civilisations de l’Asie : Colloque international organisé par la Société asiatique et l’Académie des Inscriptions et Belles-Lettres. Paris. 07/12/2019.

« L’inscription de Vaḷabha « Caturānana » à Tiruvoṟṟiyūr (Tamil Nadu) : autobiographie en forme de parcours initiatique d’un guerrier devenu ascète ». Atelier thématique « Régionalisme et cosmopolitisme : l’Inde du Sud » du CEIAS. 06/02/2018. CEIAS. Paris.

«The relationships between Brahmā and Śiva in the pallava and coḷa iconography through a few examples». South Indian Epigraphy and Art History International Symposium. EPHE-UMR 7528 Mondes iranien et indien / Université Paris IV Sorbonne – CREOPS. 13/10/2017. INHA. Paris.

FINANCEMENT DES MISSIONS DE TERRAIN

Allocation de recherche de l’EFEO (Ecole Française d’Extrême-Orient, Pondichéry) : missions de terrain au Tamil Nadu, Inde (février 2014, janvier – juin 2015)

Prix de la Fondation Flora Blanchon (2014)

Bourse Mobidoc du Conseil Général d’Ile-de-France (2013)